viernes, 28 de abril de 2017

LA PLAZA DE LA SOLEDAD... DE TODOS LOS DIAS

La plaza de la Soledad… de todos los días

Este 5 de mayo se estrena “La plaza de la Soledad” documental de la notable fotógrafa mexicana Maya Goded. Apoyada por Cinepolis sale con 15 copias en la Ciudad de México, tan parco número de copias significa que estará principalmente en las salas de arte de la cadena. Y sin embargo es una película que por su calidad y por su tema debería tener mayor proyección y divulgación.
   
Es un testimonio honesto y muy personal sobre una comunidad de mujeres que se desempeñan como trabajadoras sexuales en dicha Plaza, ubicada en el barrio de la Merced. Lejos de la denuncia social —implícita— es un documento engarzado en torno al universo femenino. 



Este proyecto inicio prácticamente hace 20 años. Desde 1998 Maya tomó una serie fotográfica para la cual enraizó en el barrio; entabló una amistad prolongada —y que se mantiene al día de hoy— con las mujeres de esta comunidad, a las que transformó después en bellas piezas de gelatina de plata. Maya Goded confiesa, que pese a la extraordinaria acogida de la exposición estaba insatisfecha por el deseo de narrar la historia personal de cada mujer. Esta necesidad, de contar al mundo las historias que ella conoció de primera mano, la llevo al lenguaje audiovisual.

El tema de la prostitución conduce inexorablemente a aquellas partes del universo femenino más indeseables por nuestra sociedad conservadora, Maya lo explica así: “Crecí en la ciudad de México donde la sexualidad femenina está dominada por la moral cristiana, por la imagen idealizada de la buena mujer, la buena esposa” o el modelo de buena mujer que es en nuestras sociedades patriarcales siempre una mujer de sexualidad sometida, donde por contraste una mala mujer sería aquella de sexualidad liberada o libre. Maya lo explica así: “Una de las fotografías que siempre ha incomodado es la de Margarita, una sexo-servidora de 70 años acostada con un cliente en una cama de hotel. Me preguntaban si había hecho una puesta en escena, si lo había inventado. Argumentaban que ya no trabajan a esa edad. Me di cuenta de que les molestaba mucho ver a una mujer mayor teniendo relaciones sexuales.” En conclusión, Maya intentó confrontar los “prejuicios sobre la prostitución, el sexo y la vejez” desde lo femenino, con sus fotos y ahora con su documental. 


Al verlo recordé los notables trabajos de investigación de Marta Lamas. Cuando leí a esta investigadora por primera vez cambió mi visión completa en torno al sexo­-servicio, pues Marta a pesar de haber realizado un trabajo antropológico serio, también tuvo que enraizarse en una comunidad de sexo-servidoras y esta vivencia se nota en sus textos: libres de prejuicios y de cantaletas moralistas y aún del moralismo feminista.

Marta se cuida mucho de hacer generalizaciones, sus trabajos de hecho buscan enfocar el tema en su multidimensionalidad. La prostituta no es una cosa, no se puede etiquetar o clasificar, se trata de personas y por lo tanto el trabajo sexual es un fenómeno complejo. Por ejemplo Marta nos dice que en su mayor parte la prostitución se relaciona con la pobreza, pero que es al mismo tiempo para las mujeres pobres una forma de empoderarse y de ganar libertad.

Otro enfoque notable en los textos de Marta Lamas radica en la compleja relación con los clientes. Es decir los hombres. Para cierta ala feminista los hombres son la fuente de los todos los males de la condición actual de la mujer, y por lo tanto los ogros y verdugos, los degenerados culpables de que exista la prostitución. En la vida real esta afirmación encuentra infinitos matices. De hecho existen muchas veces vínculos emocionales y de empatía entre trabajadoras sexuales y clientes hombres. 



Y todo lo que Marta escribió esta expuesto en este documental de una forma íntima, cercana, descarnada a veces, desgarradora en otras. Un poderoso ejercicio de desmitificación y de humanización de este pequeño microuniverso femenino —que quizá sea el macrouniverso.

En la Premieré a la que asistí, Maya Goded se refirió especialmente al trabajo de Valentina Leduc, quién tomó un cúmulo enorme de material de casi un centenar de horas para dar forma a la hora y media de película que se exhibe estos días, en un trabajo que tomó año y medio, y que nos lleva a inferir que en realidad Valentina también tiene un papel autoral importante en esta película. Me hizo recordar aquel documental de Robert Flaherty, “Lousiana Story” (1948) con miles de horas de pietaje filmado, dejó toda la titánica labor de montaje en los hombros de la legendaria editora holandesa Helen Van Dongen, quién al final fue la que en realidad le dio forma a la película, aunque no se le reconozca. El cine definitivamente, sea la película que sea, es siempre una obra coautoral. Un coro.

También llamaron poderosamente la atención en créditos, la participación de la productora Martha Sosa y por supuesto de Mónica Lozano, dos mujeres que ya han dejado una huella profunda en la industria cinematográfica nacional de los últimos años, con obra valiosa, desde la trinchera de la producción, que no siempre es la que tiene más reflectores.

En fin, estas mujeres, todas ellas, Monica Lozano, Martha Sosa, Valentina Leduc, Lena Esquenazi (en el diseño sonoro) y sobre todo y por supuesto Maya Goded, y las mujeres que protagonizan el documental, nos ofrecen esta espléndida película que conmoverá al espectador y lo llevará a reflexiones profundas, incluso sobre su horizonte cotidiano.

Maya pone una Lupa sobre un barrio de la Ciudad de México que cuando lo transitamos nos pasa desapercibido: por nuestra cómoda indiferencia a la desigualdad y el sufrimiento, que están ahí, a la vuelta de la esquina, en “La Plaza de la Soledad” de todos los días.  

P. D. Se pueden leer algunos artículos de Marta Lamas en línea:
¿Prostitución, trata o trabajo?: http://www.nexos.com.mx/?p=22354

Luis F. Gallardo

28 de abril de 2017  

jueves, 20 de abril de 2017

LADRONAS DE ALMAS

Ladronas de Almas

Este viernes se estrena “Ladronas de almas” de Juan Antonio de la Riva con 35 copias en gran parte del territorio nacional, película mexicana que se añade al prolífico corpus del cine de zombies mundial.  Si conocen el cine de Juan Antonio de la Riva sabrán que es garantía. Es la película que hay que ver para pasar un buen fin de semana o una buena sesión de cine.  



Mi experiencia con el cine de Juan Antonio de la Riva siempre ha sido de gratas sorpresas. En los años noventa Juan dirigió una película de TELEVICINE al mando de Chespirito “Elisa antes del fin del mundo” con guión de Paula Markovitch y el papel de su vida de Sherlyn González. Pues una película con buen ritmo, con escenas asombrosas (magnífico manejo de grúas en las escenas de  azotea, por ejemplo), con un final trágico: Sherlyn como actriz infantil pintaba para diva, estuvo genial en esta película. Fue un éxito de taquilla. Y sí era un proyecto de cine comercial, de TELEVICINE —o sea de Televisa— y sin embargo funcionaba muy bien. ¿Por qué? Porque Juan Antonio de la Riva, sea el proyecto que sea, siempre le da su toque: ¿Cuál es el toque de Juan? En este caso un buen retrato de la clase media chilanga, de sus espacios y atmósferas. Se sienten auténticas se traten de lo que se traten.



Aunque ese toque se siente más en sus proyectos personales “Vidas errantes” (1985); “Pueblo de Madera” (1989); “El Gavilán de la Sierra” (2002); “Erase una vez en Durango” (2010). La primera película que yo vi de Juan Antonio de la Riva se llama “Pueblo de Madera”, la obra maestra del cine mexicano de los años ochenta, y que para mí debe ocupar un lugar en el Top 10 del cine mexicano universal. Juan Antonio de la Riva como Juan Rulfo (de ese tamaño) tienen la peculiaridad de la voz regional, de una gran autenticidad en el discurso, en la pintura de costumbres pintada desde la entraña, desde la sangre, desde la raíz: sabor a tierra, a norte, a raigambre. Un cine honesto, fresco, sin tópicos, ambivalente, social… todo eso pero en el caso de Juan Antonio de la Riva, al mismo tiempo entretenido. En todas sus películas se pueden ver estos signos. Se puede sentir este retrato de un México fidedigno, honesto, con discursos bien tramados. 



“Ladronas de almas” tiene ese toque, pinta esos viejos cascos de hacienda mexicanos que abundan en el país. Una película bien dirigida y bien actuada, entretenida y con una tercia deliciosa de antiheroinas. Seguramente han oído hablar del antihéroe hasta la nausea. Pues las antiheroinas no son tan comunes, y aquí hay tres. Tres bellezas. Aunque ojo con Ana Sofía Durán, la más pequeña, la más bella y de muy buenas dotes histriónicas.  



Muy destacada actuación de Juan Angel Esparza, de Luis Gatica (que me sorprendió con su buen trabajo) y de Javier Escobar. Gran papel de Jorge Luis Moreno que se transforma totalmente para interpretar a un peculiar personaje albino.

En fin: la película funciona bastante bien como cine comercial de entretenimiento, con los rasgos del cine de Juan. En cuanto a su papel en el corpus del cine de zombies, también es peculiar pues explota la vena del zombie haitiano, poco trabajada. Aunque se cataloga en el cine de terror sabemos que no son películas de miedo, son películas para divertirse, relajarse y comer palomitas, con la metáfora siniestra usual: los zombies en realidad no son los muertos vivientes. Infinitamente superior a ese abominable monumento al tedio llamado “Halley” (Hofmann, 2012) que inexplicablemente muchos consideran de culto; “Ladronas de almas” si ofrece una buena dosis de coágulos sanguinolentos y sensuales dentelladas de carne humana.

Luis F. Gallardo León

20 de abril 2017

lunes, 23 de enero de 2017

UN PADRE NO TAN PADRE: BUENA PELÍCULA

UN PADRE NO TAN PADRE: BUENA PELÍCULA

Luis F. Gallardo

Me pareció muy apreciable la cinta de Raúl Martínez, “Un padre no tan padre” (2016) con Héctor Bonilla y Benny Ibarra en los papeles principales, los dos con buenas actuaciones. 



He leído que es una película “no tan padre” y que es una cinta “familiar sin ninguna complicación”. La primera crítica es muy severa. Evidentemente no aspira al festival de Cannes, pero eso es una virtud no un defecto: es una película sin pretensiones. Pretensiones que muchas veces sobran en el cine mexicano. Estorban incluso. La segunda crítica es de una frivolidad espeluznante. Hay que entender una cosa, el cine no se divide entre obras maestras y churros

Quiero decir que entre las obras maestras y los churros, hay una amplia gama de películas con otras valoraciones: desde excelentes, muy buenas, buenas, regulares y malas sin llegar a churros, las hay aburridas, medianas, etc. Por lo tanto hay películas que no van a quedar grabadas en piedra en las listas de las mejores del mundo pero que te aportan cosas, a veces importantes, desde el mero entretenimiento —que es valioso por supuesto—, hasta buenas reflexiones, ideas, polémicas, buenos momentos, o una buena experiencia. Vemos cada año ese tipo de películas por montones. ¿Por qué no ver mexicanas de esas por montones?

“Un padre no tan padre” es una buena película. De hecho es el tipo de películas que hacen mucha falta en México; atraen taquilla y cultivan público para nuestro cine con temas novedosos e interesantes. No es aburrida, ni incomprensible, ni ven el mundo como una masa crítica gris e informe; o con un pesimismo atómico; películas que abundan en México por cierto.

Muy al contrario, es una película que le aporta al espectador ideas, reflexiones, incluso entretenimiento. Y voy más allá, narra un tema nodal de nuestra sociedad contemporánea: el cambio cultural. Nuestra sociedad se esta transformando, y lo que está en disputa hoy día más que ninguna otra cosa, es esa tensión entre caducos valores del siglo XX y los valores de la nueva cultura global del siglo XXI: por ejemplo la tolerancia a la diferencia de género; a la nueva cultura alimenticia, vegetariana o vegana; la conciencia ambiental; la tolerancia a la multinacionalidad y a la multietnicidad; la tolerancia al consumo de drogas; y a los nuevos tipos de familia y al comunitarismo.   

Ese cambio cultural ya está ocurriendo en nuestro país a pasos agigantados (examine su entorno, cuántos vegetarianos o incluso veganos ya están en su órbita social o incluso familar por ejemplo). Así como “Una familia de tantas” (1949)  de Alejandro Galindo es la gran crónica del cambio cultural de su tiempo, y encarna este cambio de valores en el seno familiar con la irrupción de un agente extraño; de forma similar en “Un padre no tan padre” tenemos un grupo familiar extenso, comunitario. Don Servando Villegas, el personaje que encarna Héctor Bonilla, representa aquellos valores cada vez menos aceptables por esta sociedad global, de intolerancia frente a la diferencia, de sexismo, de racismo, de machismo, de autoritarismo que se confronta totalmente con “Fran” el personaje que encarna Benny Ibarra y que representa los nuevos valores democráticos, de tolerancia e integración de la diferencia. ¿Quién gana en la confrontación? Raúl Martínez tiene su propia respuesta y de eso trata la película, y ese es su mensaje.

Al final, es una película que vale el boleto y que le retribuye al espectador con una buena experiencia cinematográfica, y con una reflexión importante sobre el mundo que vivimos pero sobre todo sobre el mundo que queremos vivir.      


jueves, 12 de enero de 2017

TALLER PERMANENTE DE GUION CINEMATOGRAFICO

TALLER PERMANENTE DE GUIÓN
CINEMATOGRÁFICO DE FICCIÓN
Tercer año

AVISO IMPORTANTE: POR CAUSA DE ACOMODO DE HORARIOS EL CURSO CAMBIO DE LOS DÍAS MARTES A LOS DÍAS MIÉRCOLES.

Imparte: Luis F. Gallardo

Con la finalidad de trabajar proyectos de guión de corto y largometraje de ficción. El objetivo es lograr desarrollar, concluir o mejorar, guiones o proyectos de guiones.

Al ser un taller no hay propiamente dicho un temario, pero se estudiarían los temas usuales en cursos de guión: Selección de la historia, Premisa o Idea Rectora, Desarrollo Argumental, Técnicas de manejo argumental, Construcción de Personajes, Técnicas de Construcción de Personajes, Formatos profesionales de guión, Primer Tratamiento de guión, sin centrarse en un solo autor o en una sola metodología sino exponiendo la manera en que se maneja según diferentes tratadistas. 

Así los interesados podrán conocer diferentes metodologías de trabajo de guión para encontrar las adecuadas a su propia forma de pensar, ser o trabajar, junto con una abundante bibliografía y al mismo tiempo conocer el trabajo profesional de guión.

Luis F. Gallardo ha escrito guiones de largometraje, de cortometraje, de telenovela, series, y multimedia, así como documentales, y programas culturales, con 16 años de experiencia en el medio profesional.

Las sesiones se impartirán los días Miércoles de 17:00 a 19:00 pm, en la sala de estudio de la Biblioteca Samuel Ramos de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM (la Pecera), del 08 de Febrero al 26 de Abril de 2017, contando nueve sesiones, para un total de 18 horas efectivas.

Se entregará constancia.



Solo se admitirán 8 participantes.

El costo del taller es de 2000 pesos, que deben liquidarse antes de iniciar el taller.

Los depósitos se pueden realizar en las siguientes cuentas:

BANCO SANTANDER

Num. Cuenta.

56622873381

CLABE INTERBANCARIA

014180566228733813
A nombre de Luis Gallardo Leon

DEPÓSITO EN EL OXO


Puedes depositar en el OXO de tu preferencia
Num. Tarjeta Santander
5579 1000 9678 5371 

LUIS FERNANDO GALLARDO LEON

Después de hacer el depósito

DEBERÁN ESCANEAR SU FICHA DE DEPÓSITO y enviarla al correo

2valar@gmail.com

Señalando NOMBRE, TELÉFONO CASA, TELÉFONO CELULAR, EMAIL, EDAD, GRADO DE ESTUDIOS.

También pueden comunicarse al celular: 55 21 29 80 47 para notificar depósitos o resolver dudas o a ese mismo número por vía Whatsapp.

IMPORTANTE: Conserve su ficha de depósito, deberá presentar la ficha de depósito original, el primer día de clases.

El primer día de clases es deseable presentar un proyecto de trabajo, guión largo, corto, documental, serie, etc. 

INSCRIPCIONES ABIERTAS

Mayores informes, manda un mail a: 2valar@gmail.com
O marca al celular: 55 2129 8047 O al mismo número vía Whatsapp



sábado, 31 de diciembre de 2016

VIVIR AL ESTE DEL EDEN



Vivir al este del Edén

La música universal está llena de himnos a la amistad. Esa fuerza de amor que no ata cadenas ni cierra telones de acero. Cuyos eslabones son suaves pero firmes, flexibles pero irrompibles. Sutiles pero permanentes.

Dedico esta canción a mis amigos. A todos los que he tenido a lo largo del tiempo y a los que mantengo aún, y que he vuelto a encontrar en redes.

Compuesta por el grupo “La Unión”, grupo que se hizo famoso con adaptaciones de hitos literarios. “Al este del Edén” es una ambiciosa novela de John Steinback en la que examina un tema que le apasionaba: la maldad. (En una antología de la maldad estaría esta novela junto a “El corazón de las Tinieblas” de Joseph Conrad, y “Los Hermanos Karamazov” de Dostoiewsky). Esta novela fue parcialmente adaptada al cine, con gran resultado: es ya un clásico, una extraordinaria película de Elia Kazan, con el inmortal James Dean.

La canción de “La Unión” no tiene nada que ver con estas obras. Es un himno a la amistad, y como cambia la perspectiva del mundo, cuando uno es niño y cuando es adolescente y cuando ya es adulto. “Al este del Edén” es la frase acuñada por Steinbeck para su libro, extraída del libro del “Génesis” en el que se señala que después de matar a Abel, Caín radica “al este del edén”. A Steinbeck le interesa la metáfora de Caín, como manifestación del mal en el mundo. Lo irracional.  

En la canción “Vivir al este del Edén” significa vivir en el mundo, este mundo pues no tenemos otro: lleno de crimen y de ‘pecado’, de muerte y desdicha, de envidia y desigualdad, de mierda —para citar a Nietsche “…el mundo se parece al hombre en que tiene un trasero, ¡eso es verdad! Hay mucha mierda en el mundo: ¡eso es verdad!”.

En la canción, cuando uno es niño, el mundo se ve mucho más limpio, menos maligno, menos incierto. El tiempo pasa lentamente y hay días en que no hay nada que hacer, salvo perder el tiempo. Ahora extrañamos esos días. La infancia —en la canción, siempre en la canción— es paraíso, mientras que crecer y madurar es desplazarse “al este del edén”, donde estamos acostumbrados a vivir. Y qué bien queda esto a los mexicanos, que pueden soportar tantos horrores y espantos “Al este del edén” y acostumbrase.

La canción invita a presentarle buena cara al mundo: la vida se ha vuelto dura por supuesto. Los amigos —y los de la infancia especialmente— traen consigo esas memorias del pasado idílico, y permiten el contraste con el presente. ¡Si es cursi! ¡Muy cursi! Pero de que otra manera se puede enfrentar uno al monstruo del mundo, sino con buen ánimo, con “entusiasmo” en su acepción más etimológica.
  
Amigos ¿Cómo les va la vida? A mí me ha ido bien. Estoy muy acostumbrado a “vivir al este del eden”: alias México 2016/2017.

Espero con sinceridad que a todos le haya ido y les vaya bien. Con amistad y cariño, en el umbral del año.  Luis F. Gallardo

Link de la canción
https://www.youtube.com/watch?v=Bjhm0JjbbIk

Vivir al este del Edén (Letra)

Paseando el otro día en la mañana
me encontré un amigo de la niñez,
hablaba con nostalgia de la infancia
¡Que dura se ha vuelto la vida después!

¡Que largos parecían los días!

Eternas las tardes sin saber que hacer…
Ahora el tiempo pasa y no perdona,
se van meses y años para no volver.

¿Quién te ha visto, amigo, y quién te ve?
¿Cómo te va la vida? A mí me ha ido bien
¡Tan lejano el paraíso aquel!
Estoy acostumbrado a vivir al este del Edén.

¿Qué es lo que tiene el aire en la mañana
que limpia los temores de mi corazón?
Las dudas que anoche eran tinieblas,
son simples tonterías a la luz del sol

viernes, 25 de marzo de 2016

Batman vs. Superman: Nuevo clásico de Zack Snyder



BATMAN CONTRA SUPERMAN: NUEVO CLÁSICO DE ZACK SNYDER

Yo… Luis F. Gallardo, ya le asigné ficha como una de mis favoritas de todos los tiempos: un clásico. Para mí, la película significó un placer muy especial. ¡Quizá las películas de comics sean para gente de comics! No lo sé.



Estuve leyendo ayer madrugada y hoy, críticas muy negativas de la película.  De amigos, incluso egresados de la escuela de cine. Mi buen amigo Zalik, egresado de la carrera de guión del CCC, posteo en Facebook: “Aburridísima! Solo pelean dos minutos... por un malentendido, y se reconcilian gracias a sus mamás.”

No concuerdo. La pelea es magnífica.

Yo justifico mi gusto de esta manera. Yo colecciono comics desde los años 80. Y tuve mi buena época de coleccionista, hasta que el neoliberalismo, la crisis mundial y sobre la crisis personal crónica, impidió que pudiera sostener mis colecciones. La debacle ocurrió casi al mismo tiempo que formé una familia en el año 2000. En la buena época compraba Archi, Superman, Batman, Spider Man, Liga de la Justicia, Avengers, Hombres X, Conan… Además también pasé por un periodo de la “Historieta de Arte Europea y Latinoamericana” y de la Novela Gráfica. Fui muy fan de Moebius, Giger, Vidal, Milo Manara, Carlos Jiménez, Alberto Breccia, Guido Crepax, y un largo etcétera. Mención especial al extraño y fascinante mundo del Comix underground norteamericano. Esto fue muy anterior a la explosión del Manga y del Animé Japonés, aunque ya le rendíamos culto por aquella época a la gran película “Akira” de Katsuhiro Otomo —una película perfecta—; y soy de la generación de Astroboy, Macros, Mazinger Z, y en fin. Cabe decir que entre los 14 y los 16 años yo aspiraba a ser historietista. Conclusión: adoro los comics.

Y esta película me gusto y me gusto mucho. “Batman vs. Superman: Down of Justice” de Zack Snyder mezcla en su trama tres hitos de la historia de DC Comics.

El diseño de la pelea de Batman, de cómo se prepara para vencer a Superman, proviene de la novela gráfica, muy re editada en México, “Dark Knigt Returns” de 1986 con guión de Frank Miller (quién más) y dibujos de Klaus Janson y Lynn Varley. 



Obviamente no es un préstamo literal. Pero en la novela gráfica, Batman se vale de toda la Kriptonita que puede disponer y de una armadura tremenda para enfrentar a Superman, y también ahí lo derrota. En circunstancias y contextos muy diferentes a los de la película. 



La secuencia en la que Superman se expone a una bomba nuclear y como la energía atómica lo adelgaza hasta parecer cadavérico, y su recuperación la luz del sol amarillo, eso también está en la genial novela gráfica del maestro Miller. En una secuencia de imágenes memorable.

El origen de la Liga de la Justicia planteado de inicio como una disputa entre Batman y Superman, que terminan por unir fuerzas frente a un peligro mayor, se planteó así, ni más ni menos que en el reinicio de DC COMICS en 2011 con Los Nuevos 52. En el número 1 de la serie “La Liga de la Justicia” escrita por Geoff Johns y dibujada ni más ni menos que por el genial Jim Lee bajo el nombre de “Origins”. 



Esta serie la hicieron película en 2014 bajo el título “Guerra”

Claro, La rivalidad clásica entre Batman y Superman, tiene una muy, muy, muy larga historia en DC COMICS, y la rivalidad asociada en la Liga de la Justicia ya se había planteado antes de “Origins” en las series y películas animadas. Pero se ha proyectado estos últimos años.

Me parece que sobre todo en algunos Crossovers de las notables Series Animadas de Bruce Timm que revivieron a DC COMICS. Recuerdo en concreto en “Superman: la serie animada” (1996-2000) una miniserie de tres capítulos que luego hicieron película “Lo mejor del mundo” (Capítulos 29-31) bajo la dirección de Toshihiko Masuda, y ¡Claro! Bajo la supervisión de Bruce Timm, en la que Bruce Wayne se liga a Louis Lane, ni más ni menos. Y otra, de la misma serie, que me gustó mucho, se llamo “La hora del caballero nocturno” (Cap. 43) en la que Superman toma el lugar de Batman, literal, con todo y disfraz. Y lo hace porque El Murciélago está desaparecido y se desata el reino del terror en Ciudad Gótica ante los insuficientes esfuerzos de Robín.

Y bueno esta relación poco empática de Super con Bat da para mucho más, por lo visto.  

Finalmente, la gran saga de “La muerte de Superman” de 1992 del equipo de escritores y dibujantes Dan Jurgens, Roger Stern, Louise Simonson, Jerry Ordsay y Karl Kesel; que tuvo un gran impacto social, e introdujo al personaje monstruoso Doomsday.     






El equipo de escritores de “Batman vs. Superman: Down of Justice” Chris Terrio y David S. Goyer tramaron de forma estupenda estas sagas históricas, para crear una nueva historia perfectamente consistente. Es visible que los escritores dominan y gozan el universo DC COMICS. Y así nos lo hacen gozar. Uno de los grandes aciertos de adaptación, me parece es el momento en que Batman queda completamente trastornado cuando Superman le dice que salve a su madre: Martha. Los dos personajes están vinculados por el hecho lingüístico, pero profundamente emotivo, de que sus progenitoras llevan el mismo nombre.

La narración hiperelíptica, la plasticidad visual, la perfecta coordinación del live action con los CGI, el espléndido y diría incluso lujoso reparto, me explico con Amy Adams como Lois Lane, y Jeremy Irons como Alfred, grandísimos actores haciendo secundarios ¡Eso es lujo! Bajo la mano experta de Zack Snyder, un director con un soberbio manejo del ritmo, hacen de esta película realmente un agasajo.

Es pues un nuevo clásico, de gran calidad, del neo género del Cine-Comic. Y de lo mejor del género.  

Luis F. Gallardo

24 de marzo de 2016